Linkkoe Jurnal: lukisan
Tampilkan postingan dengan label lukisan. Tampilkan semua postingan
Tampilkan postingan dengan label lukisan. Tampilkan semua postingan

Jumat, 02 April 2021

Bagaimana Lukisan, Koleksi, dan Kurasi David C. Driskell Membantu Melestarikan Sejarah Seni Kulit Hitam

Bagaimana Lukisan, Koleksi, dan Kurasi David C. Driskell Membantu Melestarikan Sejarah Seni Kulit Hitam


Seni Kulit Hitam David C. Driskell



“Seni Hitam Amerika Dua Abad : 1750–1955,” survei David C. Driskell tahun 1976 tentang lebih dari 200 tahun seni Kulit Hitam di AS, sekarang dianggap sebagai pameran penting. Tetapi ketika Los Angeles County Museum of Art mulai mencari seseorang untuk mengajukan proposal, kesuksesannya tidak terjamin. Seperti yang diceritakan Driskell dalam sejarah lisan 2009, sebagian besar papan tulis LACMA mendekatinya terakhir, dan pengawas museum meragukan pameran tersebut, yang akan dibuka sebagai bagian dari perayaan dua abad LACMA. Apakah masuk akal, mereka bertanya-tanya, untuk pertunjukan yang hanya berputar di sekitar satu identitas?

Tidak pernah ada yang mundur dengan mudah, Driskell membalas argumen itu dengan percaya diri. Ketika salah satu anggota dewan Yahudi meragukan bidang pertunjukan, Driskell menjawab bahwa wali itu kemungkinan besar tidak akan memiliki masalah dengan survei terhadap orang Amerika Yahudi yang mencakup karya Robert Rauschenberg, Jack Levine, dan lainnya. "Tapi saya yakin Anda tahu budaya Anda sendiri," kata Driskell, membuat jeda yang lebih lama.

Pitch Driskell akhirnya diterima, dan "Two Centuries of Black American Art" telah tercatat dalam sejarah. Ini mungkin contoh terakhir dari kredo yang memandu praktik Driskell: keyakinan kuat bahwa seniman kulit hitam yang berbasis di AS telah memberikan kontribusi penting dan cukup besar bagi sejarah seni.

Menyusul kematiannya satu tahun lalu hari ini karena penyebab terkait Covid, Driskell sedang dinilai kembali di dunia seni. Terkenal sebagai sejarawan seni dan kurator, Driskell kini juga dikenang karena lukisannya, yang saat ini menjadi subjek survei di High Museum of Art di Atlanta. (Setelah ditayangkan di sana, pertunjukan akan dibawa ke Portland Museum of Art di Maine, yang menyelenggarakan pameran bersama dengan High Museum; itu juga akan datang ke Phillips Collection di Washington, DC) Dengan retrospektif itu — yang pertama didedikasikan untuk seni Driskell — sekarang dalam tampilan, di bawah ini adalah melihat ke belakang dan kehidupan serta praktik melukisnya.

Bagaimana Driskell, seniman kulit hitam, membentuk "tulang punggung" budaya visual di AS

Ada banyak aspek yang mengubah permainan dari "Dua Abad Seni Kulit Hitam Amerika", tetapi mungkin salah satu yang paling inovatif adalah pernyataan bahwa sejarah seni Hitam di AS tidak singkat — itu meluas kembali ke pendirian negara itu selama abad ke-18 . Entah secara eksplisit atau tidak, ini adalah jawaban atas cara LACMA dan MoMA AS menampilkan seni Hitam pada saat itu. Pada kesempatan langka di mana karya seniman kulit hitam dimasukkan dalam pameran besar, hampir secara eksklusif karya seniman kulit hitam yang masih hidup. Namun, seniman kulit hitam masih jarang mendapatkan pertunjukan tunggal di museum AS, atau pameran ini diselenggarakan oleh kurator kulit hitam. Sebaliknya, pertunjukan Driskell menawarkan bukti kuat bahwa sebenarnya ada garis keturunan seniman kulit hitam selama berabad-abad.

Daftar periksa pameran Driskell penuh dengan seniman yang kini dianggap bintang bonafit. Pemandangan indah Robert S. Duncanson dari pertengahan abad ke-19 muncul tidak jauh dari pemandangan subur Henry Ossawa Tanner dari beberapa dekade kemudian. Gambar dinamis Archibald Motley tentang kehidupan malam Black di Chicago dari awal abad ke-20 tergantung di samping eksperimen berbasis warna terbaru Alma Thomas dalam abstraksi. Patung lembut Elizabeth Catlett ditempatkan di dekat penggambaran episode dari sejarah Hitam oleh Jacob Lawrence, Charles White, dan Claude Clark.

Ditanya oleh New York Times mengapa dia menjadi kurator pameran, Driskell berkata, “Saya sedang mencari sebuah karya yang menunjukkan pertama-tama bahwa Blacks telah menjadi peserta tetap dalam budaya visual Amerika selama lebih dari 200 tahun; dan dengan peserta stabil yang saya maksudkan adalah bahwa dalam banyak kasus mereka telah menjadi tulang punggung. " Dilihat hari ini, "Seni Amerika Hitam Dua Abad" berdiri sebagai bukti nyata akan hal itu. Tetapi ketika pertunjukan tersebut dibawa ke Museum Tinggi, Museum Seni Dallas, dan Museum Brooklyn, signifikansinya sering kali hilang dari kritik kulit putih, yang menyatakan bahwa Driskell telah gagal untuk menyampaikan "estetika hitam" yang kohesif.

Melihat apa yang terjadi dengan karya para seniman ini dalam beberapa tahun terakhir menunjukkan betapa salahnya para kritikus ini. Pada tahun 2021, setelah dilantik sebagai Presiden Amerika Serikat, Biden dianugerahi pemandangan oleh Duncanson dengan pinjaman dari Museum Seni Amerika Smithsonian. (Biden pernah menjabat sebagai Wakil Presiden di bawah Barack Obama, yang menggantungkan karya cemerlang Thomas di Kantor Oval Gedung Putih.) Tahun ini, Thomas akan menjadi subjek retrospektif perjalanan karena dibuka pertama kali di Museum Seni Chrysler. Karya White diberi perlakuan retrospektif pada tahun 2018 di Institut Seni Chicago, dan seni Motley disurvei di Museum Seni Nasher empat tahun sebelumnya. “Seandainya pameran ini tidak diselenggarakan,” kata Driskell dalam Today Show wawancara, "banyak artis yang ditampilkan di sini tidak pernah terlihat."


Saat dia membuat acara perintis, Driskell sedang mengerjakan seninya sendiri.

Saat ini, Driskell paling dikenang karena karya sejarah seni dan kuratorialnya. Namun nyatanya, Driskell awalnya ingin menjadi seorang seniman. Lahir pada tahun 1931 di Eatonton, Georgia, dia belajar di Howard University di Washington, DC, di mana dia mendaftar di kelas dengan James A. Porter, yang mengajar survei tentang sejarah seni Afrika-Amerika — sesuatu yang langka untuk zaman itu. (Porter, seorang seniman dengan haknya sendiri, kemudian dimasukkan dalam "Seni Amerika Hitam Dua Abad Dua abad.") Selama musim panas, ia menghabiskan musim panas belajar di Sekolah Seni Lukis & Patung Skowhegan di Maine. Di sana, atas rekomendasi Porter, dia mengambil kelas dengan Morris Louis, seorang pelukis Sekolah Warna Washington yang terkenal dengan kanvasnya yang terdiri dari garis-garis multiwarna.

Driskell dimulai sebagai pelukis figuratif, dan di antara karya awalnya adalah Behold Thy Son (1956), yang menampilkan seorang pria kulit hitam yang disalibkan yang dirawat oleh sosok berjubah yang menyerupai seorang pendeta. Itu dilukis setahun setelah pembunuhan Emmett Till, seorang bocah kulit hitam yang digantung oleh pria kulit putih yang secara salah menuduh Till menggoda seorang wanita kulit putih, dan itu secara longgar menyinggung pilihan Mamie Till, ibu Emmett, untuk mengizinkan majalah Look untuk mencetak ulang gambar pemakaman peti mati terbuka putranya. Judul lukisan Driskell, kutipan dari Injil Yohanes, menjelaskan dimensi spiritual dalam tragedi keluarga Till, dan juga secara longgar mengacu pada pengalaman Driskell sendiri dengan agama Kristen, yang ia anggap penting dalam pendidikannya.

Pada 1960-an dan 70-an, karya Driskell menjadi lebih abstrak. Dia mulai mengandalkan kolase, menerapkan elemen yang diambil dari Look dan publikasi lain dalam karya seninya, dan dia mulai menggambarkan sosok yang wajahnya tampak terbelah, menyebabkan mereka terlihat seolah-olah dilihat dari berbagai sudut pandang sekaligus. Seringkali, Driskell sangat tertarik pada seni Afrika. Untuk satu karya berjudul Self-Portrait as Beni ("I Dream Again of Benin") , dari tahun 1974, Driskell melukis dirinya sendiri dengan setengah dari wajahnya yang ditampilkan sebagai jenis topeng yang ia lihat sekilas saat berkunjung ke Benin City, Nigeria, tempat kerajaan dari Benin pernah terbaring. Seperti yang ditulis Taylor Renee Aldridge dalam esai ARTnews tentang warisan Driskell, karya-karya ini membuat "terlihat tali pusar alegoris yang menghubungkan diaspora antara orang Afrika dan orang kulit hitam Amerika".

Dalam beberapa dekade setelahnya, Driskell membuatnya hampir tidak mungkin bagi siapa pun untuk menganggap estetika apa pun pada seninya. Dia melukis abstraksi hipnotis, banyak di antaranya ditampilkan dalam warna-warna yang mempesona, yang mengacu pada berbagai subjek, dari nenek moyang Driskell sendiri hingga Ekspresionisme Abstrak hingga tradisi Afro-Brasil. "Dia menyerap aspek dari berbagai gaya," kritik John Yau pernah menulis, "dan, dalam kuali praktik seninya, menyatukannya ke dalam sejarah pribadi dan budayanya."


Dia memastikan bahwa orang lain akan melestarikan sejarah seni Kulit Hitam.

Pada tahun 1981, Driskell muncul di sebuah ruang penjualan di Sotheby's, di mana dia akan menawar lukisan Henry Ossawa Tanner The Thankful Poor (1894), sebuah adegan lembut yang menampilkan seorang pria kulit hitam tua seorang anak laki-laki berdoa di meja yang jarang. Ketika lukisan itu datang untuk penawaran, itu jauh melampaui harapan, dan Driskell mengajukan tawaran yang menang, membelinya seharga $ 250.000 dengan komisi pembeli dan menghasilkan rekor pada saat itu untuk karya seni oleh seniman kulit hitam. Di belakang layar, dia bekerja atas komisi untuk seseorang yang bertubuh besar: Camille Cosby, istri dari aktor Bill Cosby yang sekarang dipermalukan. (Karya tersebut sekarang berada di Art Bridges, entitas pengumpul yang diluncurkan oleh Alice Walton, yang membelinya dari Camille Cosby pada tahun 2020.)

Driskell bertindak sebagai penasihat Bill Cosby, bahkan melayani sebagai kurator koleksinya, dan dia juga membantu Oprah Winfrey membeli karya-karya terkenal seniman kulit hitam. Itu hanyalah satu cara Driskell memastikan bahwa sejarah seni Hitam akan jatuh ke tangan orang-orang yang pasti akan merawatnya dengan baik. Itu meluas ke praktik pengajaran dan kurasinya — dia adalah seorang profesor sejarah seni di Fisk University di Nashville, dan pada tahun 2001, dia mendirikan Pusat David C. Driskell untuk Studi Seni Visual dan Budaya Afrika Amerika dan Diaspora Afrika di Universitas Maryland, College Park. Tapi itu juga meluas ke koleksinya sendiri juga.

Selama bertahun-tahun, Driskell mengumpulkan banyak kepemilikan yang mencakup potret studio oleh James Van Der Zee, lukisan oleh Loïs Mailou Jones, lanskap oleh Edward Mitchell Bannister, layar sutra oleh Jacob Lawrence, objek suku Afrika, dan banyak permata lainnya. Koleksinya telah menjadi subjek berbagai pameran, termasuk pameran tahun 2000 yang diadakan oleh Museum Tinggi, yang sekarang memfasilitasi hadiah $ 25.000 atas namanya yang diberikan setiap tahun kepada seseorang yang telah berkontribusi pada studi seni Hitam.

Bagi Driskell, koleksinya, yang bertempat di rumahnya di Maine, menambah nilai dalam kehidupan sehari-harinya. “Seni adalah panggilan imamat,” katanya kepada ARTnews pada tahun 2000, saat survei tentang seninya dipamerkan di museum Spelman College. “Ini adalah jenis mobilitas visual yang menunjukkan kepada kita bahwa hidup bisa begitu indah.”

Sabtu, 27 Maret 2021

Rare van Gogh Dijual seharga $ 15,4 M., Penjualan Seni Impresionis dan Modern Terkemuka Sotheby di Paris

Rare van Gogh Dijual seharga $ 15,4 M., Penjualan Seni Impresionis dan Modern Terkemuka Sotheby di Paris


Rare van Gogh Dijual seharga $ 15,4 M


Pada hari Kamis di Paris, menjelang lelang marquee lintas kategori, Sotheby mengadakan obral malam seni impresionis dan modern yang menghasilkan total € 36,5 juta dengan premi ($ 43 juta). Dipimpin oleh juru lelang Aurélie Vandevoorde, direktur Impresionis dan seni modern Sotheby di Paris, lelang tersebut merealisasikan tingkat jual-tayang sebesar 88 persen dari 31 lot yang terjual.

Empat puluh dua persen dari lot terjual di atas perkiraan tinggi, 39 persen terjual sesuai perkiraan mereka, dan hanya 6 persen mendarat di bawah ekspektasi. Empat lot tidak terjual dan dua ditarik sebelum penjualan dimulai.

Hasilnya melampaui penjualan setara tahun lalu di Paris yang didorong hingga Juni karena pandemi dan menghasilkan total € 10 juta ($ 11,8 juta) yang jauh lebih rendah. Penjualan ini juga menghasilkan lebih dari lelang malam rumah 'Modernités' yang berbasis di Paris pada bulan Oktober, yang menghasilkan € 28 juta ($ 33 ​​juta).


Bagian teratas dalam lelang hari ini adalah lanskap Vincent van Gogh yang menggambarkan Montmartre, Scène de rue à Montmartre (Impasse des Deux Frères et le Moulin à Poivre) , 1887, yang telah ditemukan kembali setelah lebih dari satu abad dalam koleksi Prancis dan dijual bersama dengan rumah lelang Prancis Mirabaud Mercier. Diperkirakan € 5 juta– € 8 juta ($ 5,9 juta– $ 9,4 juta), awalnya dijual sebagai lot keenam pada awal penjualan dan mencapai harga palu tinggi € 14 juta ($ 16,5 juta). Kemudian, dengan sikap dramatis, Vandevoorde mengumumkan Sotheby akan meletakkan kembali lukisan itu sekali lagi pada akhir penjualan, meskipun dia tidak pernah menjelaskan alasannya.

Dalam putaran kedua, tawaran datang dari London, Paris, New York, dan Hong Kong. Diwakili oleh Samuel Valette, wakil ketua Sotheby di London, dan Nicholas Chow, ketua Sotheby Asia di Hong Kong, penawar menyerah, dan setelah sekitar 10 menit, klien Chow keluar, menyerahkan tawaran yang menang kepada klien Valette dengan harga € 11,25 juta (€ 13 juta dengan premi pembeli, atau $ 15,4 juta).

Meskipun ada cegukan dalam penjualan menengah yang memaksa Sotheby untuk menawarkan kembali pekerjaan tersebut, membawa tawaran akhir lebih rendah daripada yang dicapai sebelumnya dalam penjualan, itu masih merupakan kudeta untuk rumah tersebut. "Beberapa minggu terakhir telah menjadi petualangan besar bagi pasar seni di Prancis, yang sudah lama tidak melihat van Gogh sekaliber ini," kata Claudia Mercier dan Fabien Mirabaud dalam pernyataan bersama setelah penjualan.

Periode penawaran menegangkan lainnya terjadi ketika La corrida karya Francis Picabia (Le Matador dans l'arène), ca. 1940–41, tekan blok. Itu telah menjadi koleksi pribadi Eropa selama lima dekade, dan terakhir dipamerkan dalam pameran Picasso / Picabia 2018-19 yang muncul di Musee Granet di Prancis dan yayasan MAPFRE di Barcelona. Dua penawar telepon — satu dengan Olivier Barker di London, yang lainnya dengan Etienne Hellman, direktur senior Impresionis dan seni modern Sotheby Paris — saling berhadapan untuk pekerjaan itu, dalam pertarungan penawaran yang berlarut-larut yang berlangsung beberapa menit. Juru lelang memohon kepada Hellman, berkata, "Saya benar-benar membutuhkan jawaban akhir." Akhirnya, dia membiarkan palu turun menjadi € 2,6 juta, di atas perkiraan tinggi € 2,5 juta ($ 2,9 juta), memberikannya kepada penawar Barker dengan harga akhir € 3,5 juta ($ 3,7 juta) dengan premi pembeli.

Di tempat lain dalam penjualan tersebut, lukisan abstrak Roberto Matta, Prince of Blood (Triptych) , ca. 1943, dihargai € 1,1. juta (€ 1,3 juta dengan premi, atau $ 1,6 juta), di atas perkiraan tinggi € 1 juta ($ 1,2 juta). Penjual Amerika membelinya pada tahun 2009 di Christie's seharga $ 745.900, melihat peningkatan nilai 114,5 persen hanya dalam waktu satu dekade. La Sirène karya Kees van Dongen (ca. 1913), menggambarkan seorang wanita telanjang yang berdiri, mendapat tawaran dari Hong Kong dan New York. Itu pergi untuk € 1.9 juta dengan premium ($ 2.2 juta) untuk pembeli di Asia dengan perkiraan € 1 juta ($ 1.2 juta).

Pea Harvest guas Camille Pissaro tahun 1887,pemandangan indah yang menampilkan enam pemanen kacang polong, melampaui ekspektasi. Itu menarik perhatian karena pada 2018, pengadilan banding Paris memutuskan bahwa kolektor Bruce dan Robbi Toll harus mengembalikan guas ke ahli waris Simon Bauer, pemilik asli Prancis-Yahudi dari karya itu, yang darinya lukisan itu disita selama Perang Dunia II. Bruce, seorang pengembang real estat, telah membeli barang itu seharga $ 880.000 pada tahun 1995 di Christie's, dan itu disita oleh pemerintah Prancis ketika dia meminjamkannya Musée Marmottan di Paris untuk sebuah pameran pada tahun 2017. Perkebunan keluarga Bauer menjualnya dengan harga diperkirakan € 1.2 juta– € 1.8 juta ($ 1.4 juta– $ 2.1 juta). Dengan catatan asalnya diklarifikasi dan penemuan baru-baru ini atas perintah saudara laki-laki van Gogh, Theo, seharga 300 franc, pekerjaan tersebut mendapatkan permintaan yang tinggi. Itu mencapai € 2,8 juta (€ 3.

Picabia lain, gambar Adam dan Hawa ditumpangkan di atas wajah tersenyum dari ca. 1931, dijual seharga € 2 juta ($ 2,3 juta), dibandingkan dengan perkiraan rendah € 1,5 juta ($ 1,8 juta). Itu adalah pertama kalinya datang ke pelelangan, dan itu dari koleksi pribadi Eropa, tempat tinggalnya selama dua dekade. Pastel Edgar Degas yang menampilkan balerina dijual seharga € 2,6 juta ($ 3,2 juta), dibandingkan dengan perkiraan rendah € 2 juta ($ 2,3 juta); Itu berasal dari warisan pewaris rumah mode Lanvin Marie-Blanche de Polignac, apakah sudah sejak 1954. Patung perunggu Auguste Rodin dari pasangan yang berpelukan, Le Baiser , dicetak pada tahun 1904, dipalu seharga € 780.000, di atas perkiraan tinggi dari € 600.000 ($ 400.000). Harga akhirnya adalah € 956,3000 ($ 1,1 juta).

Minggu, 05 Juli 2020

Karya baru Marcel Dzama yang dipajang di galeri David Zwirner di Paris

Karya baru Marcel Dzama yang dipajang di galeri David Zwirner di Paris




Karya baru Marcel Dzama yang dipajang di galeri David Zwirner di Paris
Marcel Dzama-David Zwirner, Paris

David Zwirner mempersembahkan Blue Moon of Morocco, menampilkan karya baru dan baru-baru ini oleh Marcel Dzama, yang dipajang di lokasi galeri Paris. Pameran ini mencakup kolase dan gambar oleh seniman yang terinspirasi oleh perjalanannya di Maroko.

Perjalanan menjadi semakin penting dalam seni Dzama, karena ia berupaya menciptakan karya-karya yang diinformasikan oleh kedua budaya berbeda yang telah ia benamkan dalam dirinya dan pengalaman subyektifnya sendiri. Pada 2018, diundang oleh Louis Vuitton Editions untuk membuat Travel Book, Dzama melakukan perjalanan ke Maroko, mengunjungi kota-kota, kota-kota di tepi laut, desa-desa pegunungan, dan komunitas gurun. Dia memetakan jalur yang termasuk berhenti di Tangier, Essaouira, Chefchaouen, Fez, Beni Mellal, Marrakech, dan Gurun Agafay. Awalnya dikembangkan saat bepergian, dan kemudian disempurnakan kembali di studio artis, gambar-gambar ini adalah bukti kekuatan pengalaman langsung Dzama dan perspektif tambahan refleksi pribadi setelah ia kembali ke rumah. Seperti yang dicatat oleh seniman, “Saya menggambar sketsa yang tak terhitung jumlahnya di situ, semuanya dalam semangat kedekatan ... dan saya menggunakannya dalam pekerjaan saya pada gambar setelah kembali ke Amerika Serikat .... Saya tahu saya akan menemukan ornamen yang digunakan pada kain atau permadani yang menawan, terutama sehubungan dengan pekerjaan saya sendiri pada motif dan kostum. ”1 Penggambaran hiasan tekstil dari pasar-pasar lokal, unta-unta yang dibingkai di padang rumput gersang yang luas, dan pria dan wanita dalam djellaba bergaris dan bermotif yang menjalani kehidupan sehari-hari mereka, di antara citra menggugah lainnya, mengilustrasikan kekayaan sejarah dan budaya Maroko dan memberikan gambaran yang jelas tentang karya seniman tersebut. pertemuan individu. Sebagaimana Allison Young mencatat tentang seni perjalanan Dzama yang baru-baru ini diilhami, “Gambar-gambar yang hidup mengingatkan kita tentang apa yang 'ada di luar sana' dan memikat kita melalui dunia mimpi, imajinasi, dan memori — tidak perlu paspor ... diperlukan.” 2 Saya tahu saya akan menemukan ornamen yang digunakan pada kain atau permadani yang menawan, terutama sehubungan dengan karya saya sendiri tentang motif dan kostum. ”1 Penggambaran tekstil hiasan dari pasar lokal, unta-unta dibingkai dengan petak-petak luas padang pasir kering, dan pria dan wanita di jellabas bergaris dan bermotif yang sedang menjalani kehidupan sehari-hari mereka, di antara citra menggugah lainnya, menggambarkan kekayaan sejarah dan budaya Maroko dan memberikan gambaran yang jelas tentang perjumpaan individual sang seniman. Sebagaimana Allison Young mencatat tentang seni perjalanan Dzama yang baru-baru ini diilhami, “Gambar-gambar yang hidup mengingatkan kita tentang apa yang 'ada di luar sana' dan memikat kita melalui dunia mimpi, imajinasi, dan memori — tidak perlu paspor ... diperlukan.” 2 Saya tahu saya akan menemukan ornamen yang digunakan pada kain atau permadani yang menawan, terutama dalam kaitannya dengan karya saya sendiri tentang motif dan kostum. ”1 Penggambaran tekstil hiasan dari pasar lokal, unta-unta dibingkai dengan petak-petak luas padang pasir yang gersang, dan pria dan wanita di jellabas bergaris dan bermotif yang sedang menjalani kehidupan sehari-hari mereka, di antara citra menggugah lainnya, menggambarkan kekayaan sejarah dan budaya Maroko dan memberikan gambaran yang jelas tentang perjumpaan individual sang seniman. Sebagaimana Allison Young mencatat tentang seni perjalanan Dzama yang baru-baru ini diilhami, “Gambar-gambar yang hidup mengingatkan kita tentang apa yang 'ada di luar sana' dan memikat kita melalui dunia mimpi, imajinasi, dan memori — tidak perlu paspor ... diperlukan.” 2 unta-unta dibingkai di atas hamparan luas gurun yang gersang, dan laki-laki dan perempuan dalam djellabas bergaris dan berpola melakukan kehidupan sehari-hari mereka, di antara citra menggugah lainnya, menggambarkan kekayaan sejarah dan budaya Maroko dan memberikan gambaran yang jelas tentang perjumpaan individual seniman. Sebagaimana Allison Young mencatat tentang seni perjalanan Dzama yang baru-baru ini diilhami, “Gambar-gambar yang hidup mengingatkan kita tentang apa yang 'ada di luar sana' dan memikat kita melalui dunia mimpi, imajinasi, dan memori — tidak perlu paspor ... diperlukan.” 2 unta-unta dibingkai di atas hamparan luas gurun yang gersang, dan laki-laki dan perempuan dalam djellaba bergaris dan bermotif tentang kehidupan sehari-hari mereka, di antara citra menggugah lainnya, mengilustrasikan kekayaan sejarah dan budaya Maroko dan memberikan gambaran yang jelas tentang perjumpaan individual sang seniman. Sebagaimana Allison Young mencatat tentang seni perjalanan Dzama yang baru-baru ini diilhami, “Gambar-gambar yang hidup mengingatkan kita tentang apa yang 'ada di luar sana' dan memikat kita melalui dunia mimpi, imajinasi, dan memori — tidak perlu paspor ... diperlukan.”

Banyak gambar yang akan dipajang direproduksi di Marcel Dzama: Maroko, monograf yang baru-baru ini dirilis dari seri Buku Perjalanan Louis Vuitton. Pameran ini juga akan menampilkan sekelompok gambar baru, dibuat pada Juni 2020 di New York, yang menampilkan pengaruh abadi waktu seniman di Maroko pada karya seninya. Mereka memperluas citra yang termasuk dalam pamerannya yang baru-baru ini, Pink Moon, yang dipresentasikan oleh David Zwirner Online pada musim semi 2020.

Marcel Dzama lahir pada 1974 di Winnipeg, Kanada, tempat ia menerima BFA pada 1997 dari University of Manitoba. Ini akan menjadi pameran tunggal kesepuluh di David Zwirner sejak bergabung dengan galeri pada tahun 1998.

Dzama telah menunjukkan secara luas dalam presentasi solo dan kelompok di seluruh Amerika Serikat dan luar negeri. Pada tahun 2018, pameran tunggal Ya es hora dipresentasikan di Galería Helga de Alvear di Madrid dan A Jester's Dance ditampilkan di Museum Seni Universitas Michigan di Ann Arbor, Michigan. Pada 2017, La Casa Encendida di Madrid dipamerkan, pertunjukan solo karya seniman. Pada 2015, film sang artis disajikan bersama karya dua dan tiga dimensi terkait dalam pertunjukan solo di World Chess Hall of Fame di St. Louis. Pada 2010, sebuah survei besar tentang karya seniman itu diadakan di Musée d'art contemporain de Montréal di Montreal.

Pameran tunggal lainnya termasuk yang diselenggarakan oleh Kunstmuseum Thun, Swiss (2014); Galería Helga de Alvear, Madrid (2013); Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spanyol (2012); Museo de Arte de Zapopan (MAZ), Zapopan, Meksiko (2012); Hall of Fame dan Museum Catur Dunia, St. Louis (2012); Gemeentemuseum, The Hague (2011); Kunstverein Braunschweig, Jerman (2011); Pinakothek der Moderne, Munich (2008); Ikon Gallery, Birmingham, Inggris (2006); dan Le Magasin - Centre National d'Art Contemporain de Grenoble, Prancis (2005).

Karya seniman ini disimpan di koleksi museum di seluruh dunia, termasuk Dallas Museum of Art; Musée d'art contemporain de Montréal; Museum Seni Kontemporer, Los Angeles; Museum Seni Modern, New York; Galeri Seni Nasional, Washington, DC; Galeri Nasional Kanada, Ottawa; Museum Solomon R. Guggenheim, New York; Galeri Tate, London; dan Galeri Seni Vancouver. Dzama tinggal dan bekerja di Brooklyn, New York.


1Marcel Dzama dikutip dalam Marcel Dzama: Maroko, Buku Perjalanan Louis Vuitton, np 2
Allison Young, “Marcel Dzama,” Artforum.com (8 Mei 2020).

Sabtu, 20 Juni 2020

Giorgio de Chirico: Bagaimana Godfather of Surrealism Membuat Cityscapes Misteriusnya

Giorgio de Chirico: Bagaimana Godfather of Surrealism Membuat Cityscapes Misteriusnya


Giorgio de Chirico


Agar benar-benar abadi, sebuah karya seni harus sepenuhnya melampaui batas-batas manusia: logika dan akal sehat harus sepenuhnya tidak ada. 


Apa yang bisa diceritakan oleh alun-alun kota kosong tentang kondisi manusia? Giorgio de Chirico menganggap pertanyaan itu dengan karya-karya misteriusnya yang diproduksi antara tahun 1911 dan 1917. Mereka tidak seperti apa pun yang dibuat di Eropa pada saat itu, tidak menyerupai apa pun seperti abstraksi angkuh yang kemudian diproduksi oleh Kubis di Paris atau eksperimen penuh warna dengan gerakan yang dibuat oleh para Futuris di Italia.

Karya De Chirico dari era ini disebut "Lukisan Metafisik" oleh penyair dan kritikus Prancis Guillaume Apollinaire, dan itu akan menjadi fundamental bagi pengembangan Surealisme karena cara adegan-adegan misteriusnya tampaknya kurang peduli dengan menghadirkan segala jenis kenyataan daripada yang mereka alami menawarkan skenario seperti mimpi yang sekaligus membingungkan dan membingungkan, menyeramkan dan licik, memilukan dan menyendiri.

Carolyn Christov-Bakargiev , direktur Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea di Turin, Italia, yang mengelola Koleksi Cerruti, yang menampung 10 karya penting oleh de Chirico, mengatakan kepada ARTnews , “Radikalisme De Chirico adalah untuk membuat lukisan pertama yang bukan representasi figuratif realitas tetapi representasi bagaimana pikiran melihat kenyataan — ia menciptakan semacam lukisan meta-figuratif, menunjukkan bagaimana pikiran memandang dunia dari kejauhan. ”

Di bawah, panduan untuk seniman Giorgio de Chirico.


Bagaimana Dia Tiba di Gaya Tanda Tangan-Nya

Butuh beberapa saat sebelum de Chirico mulai melukis gambar tanda tangan dari plaza kosong. Ia dilahirkan di Yunani pada tahun 1888 dari orang tua Italia dan ia dan keluarganya pindah di berbagai titik dalam hidupnya. Ia belajar melukis di Athena dan Munich dan tinggal di Florence pada tahun 1910. Sambil duduk di bangku di Piazza Santa Croce, menghadap ke sebuah gereja Gotik dan patung Dante, ia mendapat terobosan. Setelah berada di sana, seniman itu kemudian menulis, “Saya mendapat kesan aneh bahwa saya sedang melihat hal-hal ini untuk pertama kalinya, dan komposisi lukisan itu menampakkan diri di mata pikiran saya. Sekarang setiap kali saya melihat gambar ini, saya melihat momen itu sekali lagi. Namun demikian, momen itu merupakan teka-teki bagi saya, karena itu tidak dapat dijelaskan. Saya juga suka menyebut karya yang berasal dari itu sebuah teka-teki. ”

Dalam sebuah esai katalog untuk retrospektif de Chirico di Museum of Modern Art pada tahun 1982, kritikus Maurizio Fagiolo dell'Arco menafsirkan kebangkitan seniman sebagai kesadaran bahwa keadaan psikologisnya bertentangan dengan lingkungannya. "Di sinilah letak makna seni Metafisik: melihat sesuatu dan melampauinya," tulis dell'Arco.

Sekitar waktu ini de Chirico mulai membaca karya filsuf Jerman Friedrich Nietzsche, yang tulisannya terbukti sangat berpengaruh, dan kemudian pada 1911 ia pindah ke Paris, tempat saudaranya Andrea (yang akan segera mengubah namanya menjadi Alberto Savinio) sudah hidup. Pada saat itu, de Chirico masih belum pulih dari penyakit usus, dan ia telah melukis sedikit sejak wahyu. Tetapi ia menyerahkan karya-karya yang dibuatnya di Italia pada tahun 1910, terutama The Enigma of a Autumn Afternoon, di Salon d'Automne pada tahun 1912, di mana ia menerima pujian. Tak lama kemudian, ia kembali ke karya seninya dan beberapa bulan kemudian menjadi tuan rumah pameran 30 lukisannya di studionya. Apollinaire mengulas pertunjukan itu, membuat de Chirico terkenal. "Seni pelukis muda ini adalah seni dalam dan otak yang tidak memiliki kesamaan dengan seni pelukis yang telah muncul dalam beberapa tahun terakhir," tulis Apollinaire. "Itu tidak memiliki apa pun dari Matisse, atau dari Picasso, itu tidak berasal dari kaum Impresionis. Orisinalitas ini cukup baru sehingga layak untuk ditunjukkan. Persepsi Monsieur de Chirico yang sangat tajam dan sangat modern umumnya dianggap sebagai bentuk arsitektur. ”


Gaya Tanda Tangan

Periode Paris De Chirico, yang berlangsung dari tahun 1911 hingga 1915, telah dianggap sebagai bagian yang paling berbuah dalam kariernya. Dia sering melukis kotak kota dengan warna kuning melankolis; plaza-plaza-nya biasanya kosong, kecuali untuk figur-figur kecil dengan bayang-bayang panjang atau deretan arkade tak terbatas yang diselingi oleh patung atau manekin tanpa wajah, yang mungkin merupakan penghormatan kepada pematung modernis Constantin Brâncuși. Sarung tangan karet merah muda besar juga merupakan motif yang berulang dalam seninya, seperti menara, cerobong asap, arsitektur, jam, fragmen patung marmer, lukisan di dalam lukisan, dan bayangan panjang yang tampaknya tidak cocok dengan waktu hari.

Seorang kritikus Italia awal abad ke-20, Ardengo Soffici, menulis pada tahun 1914, “Lukisan de Chirico bukanlah lukisan, dalam arti kita menggunakan kata itu hari ini. Itu bisa didefinisikan sebagai menuliskan mimpi. ... [H] e benar-benar berhasil mengungkapkan sensasi luas, kesunyian, imobilitas, stasis yang kadang-kadang dilihat oleh keadaan ingatan yang dipantulkan oleh ingatan kita, hanya pada titik tidur. ”

Penjajaran-penjajaran aneh ini merupakan pertanda — dan sekarang mungkin bahkan banyak kota yang dikunci. Christov-Bakargiev berkata, “Ketika kita berjalan di Turin hari ini, seolah-olah kita berjalan di dalam de Chirico. Apa itu kota tanpa orang, apa gunanya piazza kosong? ”

Sumber Pengaruh dan Lukisan Metafisik

Tak lama setelah Perang Dunia I dimulai, de Chirico meninggalkan Paris pada tahun 1915 dan ditempatkan di Ferrara, Italia, di mana ia terus menjadi sangat produktif. Sekitar tahun 1917, ia secara resmi mendirikan scuola metafisica , atau Sekolah Metafisika, dengan sesama pelukis Italia, Carlo Carrà, yang karyanya sangat berhutang budi pada apa yang telah diciptakan de Chirico pada tahun-tahun awal dekade tersebut. Pelukis Simbol Arnold Böcklin, yang lukisannya sendiri juga sama-sama membingungkan dalam hal lokasi dan pengelompokan objek, adalah pengaruh yang signifikan terhadap sekolah; de Chirico diketahui pertama kali menemukan karya-karyanya saat belajar di Munich.

De Chirico juga mendapat inspirasi dari Nietzsche. Ketika membaca karya Nietzsche, Begin Spake Zarathustra , sebuah teks filosofis yang penting, de Chirico menulis, “Agar benar-benar abadi, sebuah karya seni harus sepenuhnya melampaui batas-batas manusia: logika dan akal sehat harus sepenuhnya tidak ada. Dengan cara ini ia akan mendekati keadaan mimpi dan sikap mental seorang anak. "

Pengaruh lain, yang didapat de Chirico melalui tulisan-tulisan Nietzsche, adalah mitologi Yunani. Ariadne, seorang putri Kreta yang dikatakan telah memberikan Theseus utas yang akan membantu membimbingnya keluar dari labirin setelah ia mengalahkan Minotaur, muncul dalam setidaknya tujuh lukisannya sebagai patung di lapangan umum. Dalam esai MoMA-nya, dell'Arco menulis, "Dalam Nietzsche, mitos ini terhubung dengan semangat pengetahuan dan dengan demikian dengan enigma." Setelah de Chirico melukis Ariadne, banyak surealis lainnya mengikutinya.

Klasisisme dan Pengaruh pada Surealis

Antara 1919 dan awal 1980-an, banyak cendekiawan bekerja di bawah asumsi bahwa de Chirico mendapatkan inspirasi yang lebih besar dari barang antik dan seni Renaisans daripada dia dari rekan-rekannya. De Chirico menulis sebanyak mungkin dalam surat-suratnya — tetapi mungkin saja dia berpotensi bermain game dengan harapan membuat karya seninya lebih penuh teka-teki. (De Chirico dikenal mengabadikan kebohongan tentang kehidupan dan karyanya: untuk pameran salon Paris 1912, alih-alih menyebut Yunani sebagai tempat kelahirannya, ia mendaftarkan Florence sebagai penghargaan atas waktunya di kota.)

Retrospektif MoMA terbukti menjadi kunci dalam membalikkan asumsi bahwa de Chirico sangat menghormati klasisisme. William Rubin, yang memimpin retrospektif MoMA pada 1982, menafsirkan seni de Chirico sebagai “jauh lebih banyak kritik terhadap klasisisme daripada perayaannya…. Dengan menumbangkan klasisisme, dengan membalikkannya, ia mengkomunikasikan rasa tidak enak yang tunggal dalam kehidupan modern. ” Dan, pada kenyataannya, seni de Chirico sering kali mencakup pergeseran perspektif yang memusingkan itu, alih-alih memberikan pandangan ilusistik tentang lanskap kota, memiringkan dan mendistorsi arsitektur Yunani-Romawi, membuatnya agak seram, dan provokatif. Scholar Laura Rosenstock pernah menulis, "Perangkat ini menimbulkan rasa dislokasi dan kecemasan yang meresap."

De Chirico bukan seorang surealis, tetapi pengaruhnya terhadap gerakan itu begitu luas sehingga ia dianggap — atau dikacaukan sebagai — anggota tangensial. Kritikus André Breton, yang menulis manifesto gerakan 1924, kemudian memilih karya de Chirico, The Dream of Tobias untuk dijadikan sebagai lambang Surrealisme. Itu muncul di latar belakang potret para surealis. (Hari ini, lukisan itu adalah salah satu karya termahal oleh de Chirico yang pernah dijual di lelang, dengan harga $ 9,2 juta di Sotheby New York pada 2017.)

Hubungan antara kaum surealis dan ayah baptis mereka, de Chirico, bagaimanapun, berumur pendek. Mereka akan memutuskan kontak mereka dengannya pada tahun 1925 dan meremehkan hasil karyanya setelah tahun 1917. De Chircio meninggal pada tahun 1978 dan ia terus melukis sepanjang hidupnya. Mulai tahun 1940-an, ia juga akan menciptakan karya dengan gaya khasnya dan memutakhirkannya sebagai cara untuk membingungkan kolektor, yang beberapa orang mengatakan, dengan pertanyaan tentang kepengarangannya, akan terbukti berpengaruh pada Generasi Gambar. Tetapi banyak seniman, kritikus, dan kurator telah sejalan dengan kaum surealis, melihat kanvasnya yang belakangan kurang penting.

Copyright

Review

Food

pendidikan